Prochaine ouverture des portes de l'académie dans

La plupart des formations vous coûtent de l’argent.

Dès votre inscription notre programme vous rapporte de l’argent.
Il ne vous coûte rien.

Nous vous aidons à augmenter vos tarifs en faisant progresser votre savoir et vos compétences.

D’ici 6 mois, votre niveau vous permettra d’augmenter vos tarifs de 500 €.


Pas parce qu’on vous le dit.
Parce que vous aurez le niveau pour le justifier.


Et comme le programme n’a pas de fin, votre plafond n’existe pas.

La seule limite à ce que vous pouvez facturer demain, c’est votre niveau aujourd’hui.

The Filmmaking Program

Préparez-vous à assimiler des notions inédites et avancées pour franchir un véritable palier professionnel.
Deux nouvelles leçons enrichissent le programme chaque semaine, un savoir illimité à votre portée pour une maîtrise sans limite.

GARANTIE SATISFAIT OU REMBOURSÉ

Académie accessible 24h/24, en illimité et à vie.

Comment la narration visuelle fait naître l’émotion ?

Comment la structure d’un récit façonne le rythme et la tension ?

Dans ce programme, vous découvrirez comment le storytelling et la réalisation transforment une simple idée en une expérience inoubliable.

Vous apprendrez à diriger des acteurs, à mettre en scène une histoire, à cadrer et composer chaque plan avec précision.
À parler le langage du cinéma.
À utiliser la symbolique visuelle pour donner une âme à vos images.

À travers l’analyse de scènes iconiques et des exercices concrets, vous développerez un regard de réalisateur.
Jusqu’à acquérir des compétences avancées pour penser, décider et raconter comme les cinéastes qui ont marqué l’histoire.

Parce que les plus grands films ne naissent jamais par hasard.
Ils naissent d’un choix.
D’une vision.
Et d’un récit maîtrisé.

4ème Trimestre 2026

Les Avantages de 22Frames Academy

Là où les écoles et formations en ligne s’arrêtent, l’académie prend le relais.
Vous réaliserez rapidement que vous ne pourrez plus vous passer de ces avantages.

1 Grand Prix Spécial pour les membres de la 22FRAMES ACADEMY

Accès anticipé à la thématique

Chaque année, notre Film Festival international, ouvert au public, célèbre les courts-métrages autour d’un thème dédié. Les lauréats reçoivent le retour du jury ainsi que des lots audiovisuels d’une valeur de plusieurs dizaines de milliers d’euros.

DÉTAILS SUR LES COMPÉTENCES ABORDÉES

 
Deux nouvelles leçons chaque semaine.
Un Programme au savoir illimité.
Un programme non complet dès le départ qui se complète avec le temps.

VOICI LES LEÇONS À VENIR

DIRECTION DE LA PHOTOGRAPHIE

I. Comprendre le rôle du DOP

• La direction de la photographique, c’est quoi ?

• Le rôle du DOP aujourd’hui

• Équipe caméra & équipe lumière

• La hiérarchie sur un plateau

• Glossaire technique complet

• L’image au service du storytelling

• Partir des contraintes pour servir la narration

• Apprendre à renoncer : une compétence clé du DOP

• L’évolution du métier avec les nouvelles technologies

II. Comprendre la lumière

• Qu’est-ce que la lumière ?

• Types de sources lumineuses

• Qualités de lumière

• Couleur de la lumière

• Balance des blancs : caméra vs lumière

• Obtenir un look film via la balance des blancs

• Mesure de la lumière

• Gels CTO / CTB : pourquoi et comment

• Indices colorimétriques : CRI / TLCI

• Contrast ratio

• Utilisation du lightmeter

• False Colors, Waveform, Histogramme

• Perdition de lumière

• Série d’exercices pratiques

III. Couleur & intention cinématographique

• Roue chromatique : complémentaires, analogues

• Température de couleur et intention dramatique

• Théorie de la couleur au cinéma

• Limiter sa palette vs créer des contrastes

• Color scripting

• Créer un look dès le tournage

• Introduction aux LUTs et au Rec709

• Série d’exercices

IV. Maîtriser l’éclairage sur un plateau

• Préparation du plateau

• Contrôler sa lumière : 3 techniques essentielles

• Ordre de process en éclairage

• Key Light : éclairer le sujet

• Triangle de Rembrandt

• Eye Light / Catch Light

• Fill Light : déboucher les ombres

• Back Light / Rim Light / Top Light

• Détacher le sujet du fond

• Ambient Light & Practical Light

• Éclairer le décor

• Créer un sténopé

• Créer contraste & profondeur

• Types d’éclairages et modeleurs

• Motivation de la lumière

• Comprendre le soleil

• High key vs Low key

• Éclairer un plan en mouvement

• Techniques pour faces multiples

• Modifier la lumière

• Alimenter son setup en extérieur

• Travailler en extérieur avec lumière artificielle

• Série d’exercices

V. Travailler avec la lumière naturelle

• Comprendre la trajectoire du soleil

• Utiliser Sun Tracker AR

• Travailler en intérieur avec la lumière extérieure

• Réfléchir / bloquer la lumière

• Filmer par temps nuageux ou changeant

• Équilibrer lumière naturelle et artificielle

• Gérer reflets & lens flares

• Série d’exercices

VI. Analyse & lecture de scène

• Apprendre à analyser une scène

• Les erreurs de débutant à éviter

• Lecture de lumière, ambiance et sources

• Breakdowns de plans iconiques

• Analyse complète : lumière + caméra + intention

• Réaliser un plan d’éclairage

• Déconstruction d’un de vos plans filmés

• Série d’exercices

VII. Application des compétences

• 3 examens pour valider vos acquis

• Corrections détaillées et retours des formateurs

VIII. Cas pratiques réels (situations professionnelles)

• Podcast filmé : minimalisme & efficacité

• Clip musical : stylisation, rythme, découpage lumière

• Dialogue cinéma : émotions, couverture, cohérence

• Film narratif court : du découpage au rendu final

• Interview docu / corporate : valoriser le sujet malgré les contraintes

• Publicité produit / food : textures, détails, lumière créative

• Documentaire réel : réactivité & lumière discrète

• Scène voiture à l’arrêt : éclairer efficacement

• Scène voiture en mouvement : simuler le mouvement

• Travelling & puits de lumière

• Éclairage fond vert réaliste

• Créer un Book Light

• Garder l’anonymat de manière artistique (storytelling avancé )

COLOR GRADING - DAVINCI RESOLVE

I. Comprendre l’image numérique

• Comment une caméra enregistre l’image (Log, Raw, Rec709)

• Notions de dynamique et latitude d’exposition

• Comprendre les espaces colorimétriques

• Rec709, Log, RAW, LUT : qui fait quoi ?

• Notions de gamma et gamut

• Les dérives colorimétriques fréquentes

• Lire une image avec le Waveform, Vectorscope, Histogramme

• Série d’exercices pratiques

II. Prise en main de DaVinci Resolve

• Interface et organisation du logiciel

• Paramétrer correctement un projet

• Gestion des médias et du workflow

• Comprendre les nodes (logique nodale)

• Ordre de travail dans un node tree

• Primary vs Secondary corrections

• Power Windows & tracking

• Série d’exercices

III. Correction colorimétrique propre (Primary Grade)

• Équilibrer une image correctement

• Corriger une balance des blancs

• Exposition, contrastes, noirs et hautes lumières

• Gestion des tons chairs

• Nettoyer une image avant création de look

• Harmoniser plusieurs plans entre eux

• Série d’exercices

IV. Créer un look cinématographique (Creative Grade)

• Construire un look étape par étape

• Travailler la séparation des couleurs

• Donner de la profondeur par la couleur

• Travailler les ombres et les hautes lumières

• Désaturer intelligemment

• Créer une ambiance par la couleur

• Limiter sa palette pour renforcer l’intention

• Série d’exercices

V. LUTs, gestion des couleurs & workflow pro

• Comprendre et utiliser une LUT correctement

• Quand ne PAS utiliser de LUT

• Color Management dans Resolve

• Travailler en DaVinci YRGB vs YRGB Color Managed

• CST (Color Space Transform)

• Préparer un projet pour différents supports (web, cinéma, TV)

• Série d’exercices

VI. Techniques avancées d’étalonnage

• Qualifiers (sélections précises de couleurs)

• Isolation des tons chairs

• Relighting en post-production

• Ajouter du contraste local

• Simuler une lumière directionnelle

• Gérer le bruit numérique

• Ajouter du grain cinéma

• Série d’exercices

VII. Analyse & méthodologie professionnelle

• Analyser une image avant de l’étalonner

• Lire l’intention du DOP

• Reproduire un look de film existant

• Breakdowns de looks iconiques

• Créer un node tree type réutilisable

• Méthode rapide pour étalonner un film entier

• Série d’exercices

VIII. Application des compétences

• Exercices progressifs tout au long de la formation

• Cas concrets à reproduire

• Méthodologie complète réutilisable sur vos projets professionnels

STORYTELLING & RÉALISATION

I. Mindset — L’état d’esprit du réalisateur / DOP

• Réalisateur est un état d’esprit que vous devez adopter

• L’Effet Papillon

• Motivation vs Discipline

• Régularité et consistance

• Adopter l’esprit critique

• Faire des erreurs pour progresser

• Montrer son travail imparfait

• Augmenter ses tarifs

• Le cerveau collectif : utiliser la communauté 22Frames

II. Comprendre le storytelling visuel

• Qu’est-ce que raconter une histoire en image ?

• L’image comme langage

• Différence entre filmer et raconter

• Les piliers d’un récit fort

• L’intention avant la technique

• Servir l’émotion plutôt que l’esthétique

• Série d’exercices pratiques

III. Construire une narration efficace

• Structure d’un récit (début, milieu, fin)

• Le conflit et l’enjeu

• Le rôle du personnage

• Créer de l’attachement émotionnel

• Le rythme narratif

• Montrer vs expliquer

• Série d’exercices

IV. La mise en scène au service de l’histoire

• Le rôle du réalisateur sur un plateau

• Diriger un sujet / un comédien / un intervenant

• Placement caméra et intention

• Choix des focales et impact narratif

• Mouvement caméra et signification

• Composition d’image et lecture du cadre

• Série d’exercices

V. Préparer son tournage comme un réalisateur

• Lire un lieu et en extraire un potentiel narratif

• Construire un découpage technique logique

• Anticiper les contraintes

• Penser montage dès le tournage

• Travailler efficacement avec un DOP

• Série d’exercices

VI. Rythme, montage et continuité narrative

• Comprendre le rythme d’un film

• La continuité visuelle et émotionnelle

• Les erreurs de narration les plus fréquentes

• Créer de la cohérence entre les plans

• L’importance des plans de coupe

• Série d’exercices

VII. Analyser pour progresser

• Apprendre à analyser une scène de film

• Breakdowns de séquences iconiques

• Comprendre les choix du réalisateur

• Lecture mise en scène + lumière + cadre + jeu

• Déconstruction d’un de vos projets

• Série d’exercices